Mis 25 discos favoritos nacionales de 2025

Si el año pasado ya aparecía en la lista junto a su actual pareja sentimental y profesional, Antony Z, en el EP Amoríos Del Albayzín (Unitdreams Music, 2024), este año, la natural de Almería llega a la lista por méritos propios con su primer disco largo titulado Se Me Pasó Llamarte, Mamá (Unitdreams, 2025). Un trabajo que más allá de concentrar varios estilos que se aúnan de manera prodigiosa dentro del polifacético carácter de Vera GRV, tomando el folclore andaluz, el urban, el indie y la música de club como base de su mezcolanza, le ha proporcionado la alegría de estar nominada a un premio Grammy Latino en la categoría de Mejor Vídeo Musical Versión Corta por la canción, junto al habitual Toni Anzis, Cura Pa Mi Alma. Premio finalmente concedido al dúo de moda argentino formado por Catriel y Paco Amoroso, como no podía ser de otra manera, pero que supone un hito importante en la carrera de la almeriense poniendo en valor un trabajo notable con un atractivo incontestable. Basando sus letras en sus propias experiencias personales y exponiendo en él gran parte de su bagaje emocional, la nacida como Vera Gil Rodríguez se destapa como una de las artistas actuales con mayor fluidez y potencial para enredar estilos y salir triunfadora de ello.

Medalla siempre han sido una banda en continua evolución. Ya no tanto en el sentido de crecimiento, sino más bien como una búsqueda de identidad y sonido concretos que acabara de definirlos como entidad. Si en sus discos anteriores el post-punk, el pop, el post-rock, el metal y el indie despuntaban en cada trabajo según la inspiración de la banda, en su quinta referencia de estudio, Música Máquina (Estudio Mazmorra, 2025), el carácter heavy metalero sobresale por encima del resto de influencias de manera masiva y expansiva. Sin dejar de lado su vertiente punk, algo que podemos comprobar en sus certeras letras contra el capitalismo y el sistema, el combo barcelonés capitaneado por Eric Sueiro, tira directamente de su versión más musculosa y machacona dejándonos un disco que adquiere los tropos del estilo para manejarlos a su antojo y dotarlo de una personalidad tan única como sorprendente. Ya sea por ese retorno al principio, probablemente las influencias más marcadas y primigenias de la banda vengan del heavy, por acabar de romper con la incertidumbre, nunca se les ha podido etiquetar tan claramente como ahora, o por definir un camino (escena) concreto sobre el que desarrollar su carrera, sigue habiendo mezcla en su último álbum pero a partir de una base estilística muy marcada, Música Máquina es el disco más definido e importante de la carrera de Medalla.

Mi enamoramiento con Alice Wonder comienza, realmente, con el tema Bajo La Piel, último corte de su disco debut Firekid (Infarto Producciones, 2018). Un trabajo cantando totalmente en inglés excepto ese último corte. El álbum me gustó bastante, pero el enganche emocional que me creó ese tema, no consiguió igualarlo ninguno más del disco. Unos años después, la madrileña nos entregaba Que Se Joda Todo Lo Demás (Infarto Producciones, 2022), convirtiendo ese enganche en pura obsesión. Un disco que nos llegaba cantado completamente en castellano y dotado de una sensibilidad emocional y unas letras, absolutamente desarmantes. La consigo ver hasta tres veces con ese disco para acabar convirtiéndose en una de mis artistas de cabecera prácticamente de la noche a la mañana. Tres años de espera y unos cuantos adelantos después, hace poco más de un mes, aparece en el mercado Soulost (Sony Music, 2025). En palabras de la propia Alice, su disco más introspectivo, exorcizante y personal hasta la fecha. Tengo que admitir que he tenido serios problemas para meterme en él, un trabajo que todavía no he conseguido dar por finiquitado. Ya sea por ese retroceso al inglés, con bastantes temas del disco en ese idioma, o por lo inabarcable musical y estilísticamente que es Soulost, la base sigue siendo el pop, pero esta vez mezclado con la electrónica, el trip-hop y el ambient, forman un ecosistema musical exigente y detallista. Soulost es un viaje atmosférico y sensorial en el que perderse, encontrarse y volverse a perder hasta encontrar el rumbo de nuevo. Estoy seguro que con un poco más de tiempo, Soulost se hubiera ubicado mucho más alto en la lista, pero con las horas de escucha que he tenido, ésta es la posición más justa actualmente.

Poco más de un año después de su último disco, The Avoider (Cielos Estrellados, 2024) y con una carrera que abarca una década y seis trabajos de estudio, su séptima referencia, Letra Ligada (Cooperativa Montgrí SCCL, 2025), marca un claro e intencionado punto de inflexión en la banda capitaneada por las hermanas Rodríguez, Jazz y Leia, y completada por Carla Pérez y Oriol Font. El combo catalán se ha caracterizado siempre por tratar sonoridades evidentemente noventeras sacadas del underground perteneciente al post-hardcore con la vista puesta en las luminarias del sello Dischord y el sonido Washington DC. Una amalgama de influencias trasladadas siempre con una personalidad arrolladora, una calidad indiscutible y unas habilidades siempre sorprendentes para la juventud de la banda. Eso por no hablar de sus increíbles directos. Pero todo cambia, y si con su anterior disco llegaron al destilado perfecto de aquellas influencias pasadas por el filtro de la banda, Letra Ligada da varios pasos al frente para mostrar nuevas influencias y un cambio de idioma que no resulta nada sorpresivo. Tomando el castellano como lengua vehicular para su nuevo trabajo y dejando el poso de las influencias noventeras intacto, su composición y su sonido ha pasado de las rasposas derivaciones post-hardcore, a las amables y reconocibles influencias indie en su vertiente más pop y accesible dentro de su propio universo. Siendo una de mis bandas de cabecera nacionales desde sus inicios, no seré yo quien se queje de tener un nuevo disco entre manos de las fantabulosas Mourn, pero sin que en ningún momento les siente mal su nueva evolución sonora y estilística, en una jugada que recuerda mucho a la de los catalanes Standstill y su disco homónimo del 2004, Letra Ligada suaviza y desacelera la fórmula de la banda hasta el punto de echar algo de menos esa rabia contenida y ese pulsión acelerada que provocaban en mí sus anteriores entregas.

Teniendo presente que estamos ante el disco más ambicioso, elaborado e importante en la carrera de Jorge Escorial (a.k.a. Recycled J), y sabiendo que el madrileño es una de las figuras que mayor impulso y potencial mostraba cuando la escena rap empezaba a transformarse dentro de un nuevo paradigma llamado urban, Oro Rosa (Autoeditado, 2017), la progresión ascendente del de Carabanchel culmina en un trabajo doble con nada menos que 31 temas y más de veinte colaboradores repartidos a lo largo y ancho del disco. Volviendo a su carácter más rapeado y fresco, y haciendo el pertinente recorrido por su vida y su carrera musical en las líricas del álbum, Jorge se pone en la piel del caballero mata dragones para enfrentar todos sus miedos y sus demonios, y alzarse sobre todos ellos con la capacidad y habilidades que le brinda la experiencia  y la sabiduría adquirida a lo largo de los años. Nada de lo que ha hecho posteriormente a Oro Rosa, ha conseguido impactar o engancharme como lo hizo su debut bajo el alias de Recycled J, pero es innegable que el virtuosismo que atesora Jorge desde que la escena es escena, es muy difícil de equiparar a cualquiera que se considere rapero de la nueva escuela. Por cierto, la edición en vinilo de este disco es, posiblemente, la mejor edición en vinilo que puedas comprar este año. 

Mientras que El Arte De Morir Muy Despacio (Sonido Muchacho, 2022) supuso la entrada por la puerta grande del underground para Marcos Crespo, todo lo que vino después del debut largo de Depresión Sonora, me ha causado una indiferencia incomprensible hasta el punto de dejar de lado las escuchas de sus últimos EP’s y singles, aunque tengo que admitir que lo de Bb trickz es lo mejor que ha sacado la de Barcelona en toda su historia. Una actitud que no me ha ido mal a la hora de poder disfrutar al máximo de su segundo disco Los Perros No Entienden Internet (Sonido Muchacho, 2025). Habiendo prescindido de todos los adelantos previos del álbum, por aquello de estar un poco desconectado de la emoción que me unía a su proyecto, mi reencuentro con Marcos y su despotismo nihilista me ha hecho volver a las emociones originales que me produjeron sus primeras referencias. Componiendo, interpretando y produciendo al mismo tiempo, la prolija capacidad creativa de Marcos se junta con esa necesidad imperativa de plasmar la vida desde una vertiente personal y dotada de un carácter oscuro, cínico y reposado tan original como intransferible. El disco perfecto para una resaca de domingo químico rodeado de perretes. 

10 años después del discreto mini-álbum debut autoeditado de Yawners, Dizzy(Elena Nieto Herrero, 2015) y coincidiendo con su estreno en el Primavera Soundde este 2025, Elena nos entrega su tercera referencia oficial con SUPERBUCLE(Cooperativa Montgrí SCCL, 2025), otro catálogo pluscuamperfecto de canciones power-pop redondas, luminosas y chicleteras capaces de alegrarte el día y rellenar tus niveles de energía positiva al máximo. Estribillos sencillos y reconocibles, estrofas plagadas de cotidianidad y sentimiento juvenil, melodías irresistibles que se te quedan a la primera y una actitud de lo más jovial y enérgica conforman las habilidades de la banda capitaneada por Elena Nieto. Su siempre efectiva combinación de castellano e inglés, saltando entre ambos idiomas según la canción, y la indiscutible power-couple que forma junto a Santi García(Ultramarinos Costa Brava) a la producción, le confieren a SUPERBUCLE ese carácter directo y familiar que tan buenos recuerdos nos trae de la gloriosa década de los 90, donde, obviamente, Elena se inspira sobremanera. Nada nuevo bajo el sol, pero un sol redondo y radiante como pocos.

Para un burgalés amante de la música que empezó a crear sus primeras canciones con la aplicación Garageband allá por el 2019 y que poco a poco ha ido haciéndose un sitio privilegiado en la difuminada actualidad del indie con carácter urbano, sus progresivas colaboraciones con Drummie, Rusowsky, Ralphie Choo, Recycled Jo Aitana avalan su notable crecimiento, no está nada mal hasta donde ha conseguido llegar con tan sólo un disco del año pasado, Chato (Universal Music, 2024), y el EP que nos ocupa, Infancia Mal Calibrada (Universal Music, 2025). Después de su reciente actuación en el ya famoso escaparate de las Gallery Session, interpretando ese irresistible, pegadizo y adictivo hit llamado Monster Truck, y habiendo firmado un concierto en el FSTVL B de Barcelona que superó cualquier expectativa, nos queda comprobar si esa exagerada energía, vitalidad y contagiosa euforia, surge el mismo efecto en una sala como el Apolo de Barcelona. Sin que se le pueda emparentar directamente con ese tipo de propuestas, Barry transita con la misma gracia entre la nueva ola de artistas vanguardistas, como con los destinados al mainstream más accesible y masivo. 

Y ya que hemos abierto la veda con el tema de los EP ‘s, ahora le toca el turno a las mixtapes. Y una de las que no podía pasarse por alto, es la de 8belial, el componente más famoso del colectivo DISOBEY. Que DISOBEY se está convirtiendo en uno de los grupos de moda y que lo del concepto underground se les empieza a quedar pequeño, es un hecho. Pero lo conseguido por Marcos Nicolás Arenas con su Mr. Fino Riddim The Mixtape (Disobey, 2025), con un valioso y descomunal empujón gracias al tema Orilla con Bad Gyal (con 44 millones de repros en Spotify mientras escribo estas líneas), no estaba dentro de las perspectivas más cercanas del colectivo. Trabajando mano a mano en los riddims con Virtual Flavor, uno de los productores fijos del colectivo, y colaborando con Mushkaa, Bexnil, roomtrash6 y Nusar3000 en varios de los cortes de la mixtape, 8belial ha decantado su estilo por esa vibra jamaicana en la que el dancehall y el reggae se hermanan de manera prodigiosa. Con una frescura exagerada, una planta que resulta de lo más atractiva y un swag que inunda de manera inequívoca cualquier estancia escogida para exponer su soundsystem, 8belial ha conseguido tirar de otro tipo de influencias jamaicanas no tan evidentes en la actualidad urbana,  siendo Bad Gyal la mayor representante del dancehall dentro de nuestras fronteras, para darse a conocer. Si me preguntáis a mi, esto no está nada alejado de lo que hacían Mr. Rango, Chulito Camacho, El Hermano L o incluso Morodo y Swan, alguno de ellos más de 25 años atrás, cuando el raggamuffin’ estaba en la cresta de la ola. 

La segunda mixtape del colectivo DISOBEY, no ha hecho más que hacer crecer la leyenda y el mito. Tomando lo hortera, lo flashy, el bling bling del Temu y el swag como señas de identidad, su capacidad para volver a traer a la escena actual todo el ideario estético y cultural de los 2000, ha hecho que su propuesta no se parezca a ninguna otra y, por tanto, llame la atención de manera exagerada, tanto para bien, como para mal. Emparentados con el mismo modus operandi que practican los Swagger Boyz, otro colectivo argentino que aboga por la misma recuperación del swag como estilo y forma de arte, VOL. II ha conseguido que DISOBEY sean tomados mucho más en serio que con su primera mixtape. Algo que no ha sido debido precisamente a su maduración como banda o evolución sonora, para nada, el punto de inflexión llega con la Gallery Session de Envidia, el single de presentación que salió poco antes de la mixtape y que los puso en el mapa colectivo como los más freaks, desvergonzados, cachondos y divertidos de la escena urbana, ese paraguas en el que, una vez más, cabe todo lo habido y por haber que suene a nuevo. Haciendo sold-outs por toda la geografía española en salas de capacidad media, aquí fue la Apolo en un concierto que ya se cuenta entre los más míticos del año, la última jugada del colectivo ha sido la de comenzar carreras en solitario, cada uno bajo una personalidad muy marcada y se separada del resto, y el primero en coronarse, como no podía ser de otra manera, ha sido 8belial haciendo su primer sold-out en la sala Apolo programado para el próximo 17de enero. Para diferenciarse, hay que salirse de la norma, y para salirse de las normas, no hay nadie como DISOBEY.

Continuando con la sección de EP ‘s / mixtapes de la lista, llegamos a la primera entrada de las dos que ocupa la familia Farelo en la misma. Greta Farelo empezó haciéndole los coros a su hermana gemela Mushkaa en sus primeros conciertos, colaborar con ella en el tema Señal de Respeto contenido en el Sexy Sensible(Dale Play, 2024) destapándose como solista a tener muy en cuenta, y finalmente presentarse ante el gran público con Codo Con Codo, su primera referencia en solitario. Distanciándose conscientemente tanto de su hermana mayor, Bad Gyal, como de su hermana gemela, Greta dirige su foco al indie de banda clásica con un claro toque actualizado en el que el urban y el reggae se dan la mano con el pop y el rock sin complejos. Sencillez, calidad, candidez, cercanía y buenas intenciones es parte de lo que demuestra la joven catalana en su carta de presentación, pero hay que tener claro que su verdadero potencial se desarrolla en directo. Tanto en su concierto del FSTVL B de Barcelona como su debut en sala en la Salamandra de L’Hopsitalet, el nivel de emoción y sentimiento que maneja Greta Farelo sobre las tablas, cubre de sobras esa ingenuidad, timidez y amateurismo que todavía transmite en directo.

Si Abro Los Ojos No Es Real (Universal Music, 2025) es el tercer largo de la pamplonica Amaia Romero y el que la ha acabado consolidando como la artista mainstream que se merece ser. Con dos sold-outs consecutivos celebrados este año en el Club Sant Jordi de la ciudad Condal y poblando los carteles de muchos de los festivales estivales repartidos por la amplia geografía española, su carácter cercano, ingenuo y jovial se transmite en las canciones de un disco lleno de vitalidad, reflexiones, frescura y arte a raudales. A Amaia no le han hecho falta las polémicas, de ningún tipo, ni las colaboraciones, que las tiene y muy valiosas, o esa sobre exposición física con la que tanto juegan algunas en las redes sociales, tiene hasta una canción sobre el tema en el disco, para ser considerada una de las intérpretes y compositoras más originales, capaces, profesionales y accesibles de su generación. Siendo una artista capaz de llegar a todo tipo de edades, es de agradecer pensar que muchas de las niñas que empezaron a seguirla con diez años, han crecido y evolucionado con ella teniéndola como uno de los referentes femeninos más sanos, seguros y cercanos.

Mi relación con Zahara es eterna e imperturbable, nada de lo que haga podrá ser pasado por alto por mi persona. Mi amor / obsesión por sus diversas encarnaciones artísticas, siempre afincada en el indie pero sin dejar de lado cualquier influencia que pudiera incluir en su personal mezcolanza de estilos, comenzó a finales de la primera década de los 2000 con aquel La Fabulosa Historia De… (Universal Music, 2009). Desde entonces, nunca he podido separarme de ella. Siempre en constante crecimiento, personal y artístico, su pico dentro del indie, tanto creativo como de popularidad, le llegaba en 2021 con su disco más confesional, revelador, doloroso y curativo, PUTA (Sony Music, 2021). Un álbum que se coló en lo más alto de las listas de su año y que tuvo una sorpresiva continuación, tan solo un año después, con REPUTA (Sony Music, 2022). Después del revuelo levantado con aquel disco y contando cuatro años de la obra que marcó su vida profesional y personal, Zahara llega con un disco festivo, cercano, extensivo de su predecesor y, sobre todo, sincero y celebratorio. Ahondando de nuevo en su faceta más personal a través de la desnudez de sus líricas y su inalterable sentido de la ironía, la de Úbeda firma su disco más evolucionado, guerrero, desatado y consciente. En Lento Ternura hay espacio para todo, reflexión, fiesta, intimidad, michis, de eso no hay duda, pero creo que Zahara ha hecho el disco que necesitaba hacer después del largo proceso de curación que fue enfrentarse a PUTA. 

Aquí me vais a permitir hacer un poco de trampa. Karen Méndez es nacida en Argentina, pero criada desde pequeña en Canarias, una pequeña licencia que me voy a tomar para la lista nacional. Desde que a finales de la década pasada Karen empezara a subir versiones a su canal de Youtube, parecía que la cosa iba para arriba de manera exagerada. Pero ni con su insuperable carta de presentación, 100% (Danmark Music Group, 2020), un disco maravilloso y sumamente adictivo de R’n’B y urban, ni con su segundo largo, Literal (Damark Records, 2022), consiguió romper el underground. Llega el 2025 y con Cupido (DMG, 2025) ha pasado algo parecido. Pocos somos los que la conocemos y disfrutamos tan intensamente de ella como debería hacerlo el resto de mortales. Si en sus primeras referencias, Juacko era la persona que completaba el dúo creativo ocupándose de la parte musical, ahora es Melqui quien (re)produce las ideas musicales de  Karen formando una nueva dupla artística con una química explosiva. No voy a negar que lo suyo es bastante genérico, Rn’B meloso, reggaeton romántico, pop de cámara, urban descarado, bachatita caprichosa, y que hay cientos de chicas en la escena haciendo exactamente lo mismo con las mismas temáticas tóxico románticas, pero su penetrante voz y sus delicadas formas, han acertado nuevamente en mi corazón cual flecha de Cupido.

La catalana Paula Ribó, enfundada en su personalidad artística Rigoberta Bandini, entrega un disco doble y conceptual en el que, rizando el rizo, se convierte en Jesucrista Superstar. Estirando su personaje hasta límites insospechados y convirtiéndolo en un nuevo alter-ego para la ocasión, la artista independiente más mainstream del momento sigue llevando su pop descarado, desenfadado, irónico y teatral a todos los estratos sociales y rangos de edad posibles. Jesucrista Superstar contiene 22 canciones y está separado en dos partes conformando uno de los discos dobles más divertidos, disfrutables, icónicos, accesibles y desprejuiciados del año en un movimiento que, no por tener una mayor amplitud de miras, deja de ser una jugada bastante arriesgada. Valiente, original, transgresora y contestataria como su obra, Rigoberta se ha hecho abanderada del movimiento feminista desde una posición en la que todo el mundo no se siente igual de cómodo. A sus 35 años, Paula no es peleadora, pero sí una narradora consciente de las vicisitudes provocadas por el patriarcado en el mundo en el que vivimos. Ya sea a través de la propia ridiculización, o de las referencias que maneja la de Barcelona en el disco, Jesucrista Superstar nos ofrece la faceta más amplia y deslumbrante de una artista con una capacidad creativa descontrolada y arrebatadora. Con temáticas tan presentes en el imaginaraio colectivo actual como las drogas, el edadismo, el amor, el sexo, la pertenencia o la identidad, Rigoberta habla de sus experiencias personales, de su vida como adolescente y de su nueva vida como artista polifacética, desde su carácter más teatral y estético. Para muestra, la gira nacional de este Jesucrista Superstar y su variopinta selección de artes escénicas incluidas en el show. Ya era una de las artistas post-pandemia con mayor proyección de la actualidad musical, pero después de esto, se ha convertido en imparable.

Con varias mixtapes a sus espaldas, un disco largo del 2022 (PTSD, Sonido Muchacho), y un EP junto al productor PMP del 2023 (Parte 1 : Premonición, Sonido Muchacho), la sevillana Cristina Vela entrega su disco más introspectivo, calmado y accesible hasta la fecha con El Secreto (Sonido Muchacho, 2025). Dejando parte de la oscuridad que la ha caracterizado desde sus inicios, la Juicy muda parte de su piel para convertirse en una artista que bebe de fuentes y referencias más globales y humanas, cercanas y en las que es más fácil verse reflejada. Más melosa, más romántica, más amable y bastante menos agresiva. Por supuesto que hay espacio para el perreo y el desfase, pero El Secreto es un disco claramente enfocado desde otro punto de vista. Una nueva faceta que se percibe como una evolución natural y coherente para la sevillana y en la que tanto el rap como el trap se disfrazan de soul y R’n’B de manera exagerada y evidente. Rodeada de amigos, nombres como L’haine, Akriila, Hoke, Villano Antillano, La Zowi, Abhir y Diego900 en el apartado vocal y PMP, Nake, Saint Lowe, NormanBate$, Anto Planes y Alba Arias a los ritmos, Cristina completa un disco que supone un antes y un después en su proyección como artista única e inimitable. Una cosa sí que voy a decir en su contra, trasladar el disco al directo de manera orgánica con banda, no fue de mi agrado, como suele ocurrir en estos casos.

Señalado en mi Spotify Wrapped como uno de mis cinco discos más escuchados del año, la reencarnación musical de Anier, me ha supuesto una de las mayores adicciones de este 2025. Apartada de las redes, de la industria e incluso de la creación durante un largo espacio de tiempo, ha sido la propia Melina Altés la que ha salido al paso explicando el vía crucis sufrido en la industria después de sacar su primer disco oficial Alas de Metal (Music Bus Records, 2022), del que por cierto han desaparecido tres canciones en Spotify. La tensión acumulada, la depresión, la lucha y las múltiples decepciones surgidas a raíz de su posicionamiento en la industria, han dado a luz a un disco mucho más reflexivo, analítico, reposado y accesible que lo mostrado hasta el momento por la catalana. Apoyada en estilos como el post-punk, el synth-wave o la electrónica de club, siempre con el rap como bandera, y trabajando en el estudio codo con codo junto al productor Pau Aymi, Duskdown (Music Bus Records, 2025) es un paso firme y al frente en la obstaculizada carrera de Anier. Como dato puntual decir que, como en el caso de la Juicy, lo de convertir el show en un concierto de banda física y presencial, no le hizo ningún favor a la propuesta. 

Todo lo que necesitábamos y soñábamos de las hermanas Iñesta, María y Teresa, está contenido en su nuevo álbum de estudio titulado 201 (Mushroom Pillow, 2025). Mi amor incondicional por Repion empezó a fraguarse en 2023 con su disco homónimo (Mushroom Pillow, 2023), se acrecentó el idilio al verlas en directo en dos ocasiones y culminó el romance con ese maravilloso EP de nombre Entre Todas Lo Arreglamos (Mushroom Pillow, 2024) en el que comenzaron su fructífera relación con mis amados Ultramarinos Costa Brava y Santi García, volviendo a grabar con él para la ocasión. Con una sensible mejoría en su sonido, la magia de los Ultramarinos ha surgido efecto, y, posiblemente, la colección de canciones más bonitas, redondas y sentidas de sus diez años de carrera, Repion nos regala un catálogo de emociones cercanas y familiares, en las que sentirse identificado e implicado, es lo mínimo que te puede ocurrir. Dotado de un sonido menos retrospectivo y añejo, y, por ende, más actualizado e intenso, 201 es capaz de remover tus entrañas, llenarlas de sinceridad, arrancarles la culpa y hacerlas saltar de alegría en poco más de treinta minutos. Como suele ocurrirme con ellas, el nuevo disco de las montañesas se podría quedar en bucle durante días en mi reproductor subiendo niveles y creciendo de manera exponencial, pero todavía no he conseguido hacerme con una copia física del mismo, algo a lo que espero ponerle remedio estas Navidades. 

Siendo una de las artistas más jóvenes y más inquietas de la actualidad musical, sus excitantes capacidades a la hora de tomar inspiración de lugares no comunes y elaborar canciones que van marcadas por un sello de identidad y una personalidad única e inconfundible, rodearse de un equipo de productores tan concreto (roots, Bexnil y akaluigi) y afín a sus intenciones es de una importancia capital dentro de su propuesta musical, son la muestra inequívoca de que lo suyo no es ni casualidad, ni nepotismo. Con un disco claramente de inspiración brasileña, Nova Bossa (Dale Play, 2025) se ha grabado allí y ha impregnado el tercer trabajo de la catalana de samba, salsa, bossa nova, ritmos calientes y fútbol hasta la extenuación, no es de extrañar que su acercamiento artístico a la música y la búsqueda de una personalidad propia, haya tenido que venir de uno de los lugares más remotos y menos explotados musicalmente en relación a la escena urbana catalana. Superado con creces todo el tema de la apropiación cultural, tan en boga hace unos años, y habiendo sido la mayor de la familia (Bad Gyal) una de las artistas que más ha abierto los límites culturales musicales con otras partes del mundo, poniendo el dancehall al alcance del mainstream, la fórmula de Mushkaa va incluso más allá de las influencias más evidentes dentro del urban, recalando en Brasil para la ocasión, para ofrecer la versión más fresca, bailable, divertida, atractiva, disfrutable, original e inspiradora que puedas escuchar ahora mismo dentro de la escena nacional. Aquí sí que tengo que decir que el concierto en el Club Sant Jordi de Barcelona con banda al completo, fue un sueño hecho realidad encajando las piezas de manera magistral.

Creo que ha sido la primera gira en toda su carrera, a la que no he podido asistir por cierta coincidencia el mismo día con otro concierto de otra artista, casualmente del mismo sello. Y digo esto lo primero, porque para mí ha sido uno de los fails más sentidos de mi vida. Ese es el nivel de conexión, adicción, obsesión, querencia y dependencia, todos ellos conceptos desarrollados en sus letras desde sus inicios, que tengo con Ana Fernández Villaverde a.k.a. La Bien Querida. Cantándole al amor romántico y a los comportamientos tóxico-dependientes de las relaciones heterosexuales derivados de ese sentimiento, algo que Ana plasma de manera tan natural como expeditiva en sus líricas, mi pasión por sus delirios electro pop solo hacen que acrecentarse con cada nuevo disco que nos entrega. Habiendo podido coincidir con ella en la firma de discos de su último trabajo, como buen fan pesado copé un poco más de tiempo de lo normal llevando mi colección de discos para que los firmara y hacerme fotos con ella mientras intercambiamos algunas palabras, me llevo para toda la vida ese efusivo abrazo que me dio después de nuestra breve conversación. Del disco poco voy a decir más que es otro catálogo pluscuamperfecto de canciones (emociones) dedicadas al amor (y al desamor) en la forma en la que los que tenemos más de cuarenta años, hemos conocido y aprendido (aunque haya tocado desaprender). Pocas artistas tocan mis resortes internos con tanta precisión y puntería como lo hace ella.

Actualmente, no se me ocurre una rapera más fresca, directa, ocurrente, contundente, divertida y con más personalidad que Lorena en toda la escena nacional. Perfeccionando y exponiendo el chonismo como forma de vida  y utilizándolo como una de sus armas estéticas y temáticas más evidentes, haciendo de ello su marca personal, el primer disco largo de Lorena (Miss-Understood, All Nighters / 2025) se ha convertido en  una de las sensaciones del año dentro del conglomerado urbano nacional. Con tan solo 20 años y una carrera que empieza a los quince grabando su primer tema, la capacidad y las habilidades de L0rna, no están al alcance de cualquiera. Conozco muy pocos artistas capaces de enfrentarse a un micro en el estudio sin nada prescrito, premeditado o pensado previamente. Sí, Lorena tiene esa forma de crear mundos, imágenes e historias simplemente escuchando un ritmo y trabajando la inspiración a partir de la improvisación, algo que le viene de su adolescencia y su afición por los freestyles de la FMS. Si con sus anteriores referencias la de Cartagena se presentaba de lo más agresiva, festiva y superficial, Miss-Understood nos presenta a una joven reflexiva y consciente de todas las artistas que existen dentro del ser humano exponiéndose de la manera más vulnerable y desnuda. Si alguien duda de sus capacidades para narrar y emocionarse hasta límites insospechados, que se ponga Ni 1 Recuerdo Contigo y luego me cuente.

Siendo uno de los artistas nacionales que más rápido ha traspasado el escalafón del underground para convertirse en mainstream, sus dos conciertos sold-out en el Pueblo Espanyol de Barcelona lo certifican, no ha sido hasta su segundo disco Spanish Leather (Sony Music, 2025), que el Valenciano más atractivo, sensual y emocionante del momento ha conseguido atraparme en sus garras de celofán. Me gusta su debut La Cantera (Sony Music, 2022), pero el evidente giro que le ha dado a su breve pero intensa carrera con su último trabajo de estudio, ha hecho que caiga rendido a sus pies obsesiva y compulsivamente. Quizás por eso haya sido mi artista más escuchado de este 2025, algo que no tenía en mente hasta que mi Spotify Wrapped me ha abierto los ojos a la evidencia. Añadiéndole una producción mucho más actual a la mezcla de pop y folk de manual que practica Guitarricadelafuente, Spanish Leather es una delicada y suave colección de canciones, capaces de evocar imágenes de lo más sugerentes, en las que zambullirse, bucear y salir a flote renovado, rejuvenecido y cambiado a partes iguales. Temas como la inicial BABIECA! o la coreable Full Time Papi se han convertido en mis compañeras inseparables del año elevando mi verano de la manera más luminosa, atractiva y deleitable. 

Alba Casas siempre ha sido mi artista favorita de la mal llamada escena urban nacional. Siendo una de las pioneras en esto del trap patrio y sabedora de que el reggaeton romántico y sucio le encajan a la perfección en su universo lírico, Albany es otra de esas artistas que aboga por el chonismo como forma de vida exponiéndolo en sus canciones como algo que lleva en su ADN y por lo que, en muchas ocasiones, se la obvia dentro de la escena. Pero ya os lo digo yo, no hay nadie más sensual, certera y conocedora del abusivo amor tóxico-romántico en la escena que Alba. Estaba Escrito (Atlantic Records, 2025) es la primera referencia oficial de Albany bajo un sello discográfico y como si no fuera con ella, Alba descarga toda su personalidad en un disco doble de 25 temas y más de una hora de duración en un momento en el que las breves mixtapes y los reducidos EP’spueblan prácticamente la totalidad de la escena urbana nacional. Siempre ha sido una de las artistas más prolíficas y creativas de la escena, de eso no hay duda y su historial en Spotify existe para corroborarlo, pero está claro que nadie esperaba un disco doble de esta envergadura con el riesgo y la valentía que eso comporta dentro de los parámetros en los que se mueve esta gerundense criada en Granada. Separado en dos partes claramente diferenciadas, siendo la primera mucho más festiva y empoderada y una segunda mucho más vulnerable y emocional, Estaba Escrito ha sido mi disco más escuchado de este 2025 y mi mayor adicción con diferencia. 

Lo primero y más destacable de la concepción del disco, es la colaboración, prácticamente en todos los temas de LUX, de la London Symphonic Orchestra y la confluencia de tres coros muy concretos. El Flamenco Ladies and Gentleman Choir, L’Escolania de Montserrat y el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana. Presentes a lo largo del disco en diversas combinaciones distintas, obtienen unos resultados que manejan lo orquestal y lo operístico de manera majestuosa y exorbitante. Poco queda de aquel experimental vanguardismo transgresor y desgarrador del Motomami. Aquí la catalana se sumerge en sonidos clásicos e instrumentación de cámara, utilizando en su beneficio el barroquismo musical y las raíces folclóricas. Atmósferas sombrías y espacios vitalistas coinciden con coros celestiales e inquietantes y arreglos de cuerda afilados, sensuales y desarmantes. No estamos ante la nueva revolución vanguardista de Rosalía, pero su carácter clásico no está, de ninguna manera, reñido con sus delirios raperos y su querencia por el flamenco. Su mezcla de estilos, idiomas, emociones e historias, nos lleva a experimentar el disco casi como una forma de experiencia religiosa, si se me permite la obviedad. LUX es moderno sin ser vanguardista y clásico sin ser pedante. Cualidades que arrojan luz (valga la redundancia) sobre una obra que vuelve a revelarnos a una Rosalía poderosa, segura, valiente y con todavía ganas de desdibujar sus propios límites y los de la música popular con conceptos tan dispares como el flamenco con violines o la música clásica con sintetizadores. Escuchar LUX es algo así como asistir a una elegía resignificada en la que tanto la muerte como la vida, lo celestial como lo terrenal, lo místico como lo tangible, confluyen y se elevan hasta lo más alto de los cielos para convertir el lamento en gozo y el dolor en pasión.