Vamos con la lista nacional. Entiendo que será la lista menos popular entre los más mayorcitos, pero la ebullición continua que tiene actualmente la escena urbana es descomunal. Y ya no lo digo por todo el trap y el reggaeton que emana de dicha escena, sino por las incontables derivaciones, mutaciones e influencias que manejan hoy en día las nuevas generaciones.
Ahí es donde encuentro mayor estimulación, donde puedes escuchar nuevas formas y nuevos códigos, esa renovación continua que queremos, buscamos y necesitamos los que estamos siempre intentando romper los cánones y los límites, los que buscamos nuevas maneras de entender la música, de expresarse y de identificarse.
No voy a ir de madurito moderno porque no es a lo que me refiero, me refiero a estar en contacto con las nuevas realidades, los nuevos sonidos, las nuevas formas de expresión y de cómo se utilizan y se implantan en la cultura popular. Eso es lo que me lleva a escuchar esa escena de la que, por mucho que siga disfrutando, empieza a dar ya sus primeros pasos hacia el aburrimiento y la repetición.
Pero no os preocupéis, no todo sale de esa escena, pasad, leed, disfrutad y compartid, que al final eso es lo más bonito, compartir y aprender.
RAP - TRAP - REGGAETÓN
Me Muevo Con Dios es el disco más grande, ambicioso y elaborado que ha firmado el canario desde que nos dío en los morros con aquel lejano Maracucho Bueno Muere Chiquito del 2018, un debut que me sigue pareciendo uno de los discos de rap más modernos, inspiracionales y referenciales de la escena urbana. Su continua progresión ascendente y su creciente potencial como artista respetado, hacen que Cruz Cafuné no se baje nunca del podio. MMCD es una declaración de intenciones, es una lección de clase, calidad y estilo con la que es muy difícil competir y es la obra más variada, impactante, diferente y sorprendente del isleño por excelencia, aunque es discutible si es la mejor. Con una exitosa carrera a la espalda que ha conseguido por méritos propios, Cruzzi es otro de esos artistas independientes gestionados por Mecen al que no le hace falta estar firmado para hacer números. Hay pocos artistas tan exigentes con sus letras, con sus deliveries, con sus directos y con sus colaboradores como él , muy pocos. Montando un show que ya empieza a tener vistas de producción grande, dadle tiempo, y con un set list pensado por bloques para exprimir y aprovechar al máximo todos los moods que ofrecen sus temas, las más de dos horas de show que nos dio en la Razz de Barcelona durante dos noches seguidas con el cartel de sold out colgado en horas, vuelve a poner a prueba a una escena que, en muchas ocasiones, ni suena, ni se deja la piel, ni tampoco da lo que una entrada vale a día de hoy para ver un directo en condiciones. Puro rap competitivo, R&B derivado de la G-Funk era por la que bebe los vientos, electrónica de club para reventar, algo de reggaeton y mucho sazonado isleño, una clase magistral que te arranca hora y cuarto de escucha sin compasión y ni descanso.
El del barrio de Mendillorri nos entrega su debut largo después de saltar desde el underground gracias a sus colaboraciones con la Chill Mafia, su Ep Pitxu En Casa del 2021 y una traca de singles entre los que resaltó sobremanera su ya clásico Mañaneo junto a los productores de La Joyería, ese colectivo estrella que está nutriendo la escena vasca de grandes nombres. Casi sin tenerlo planeado, el disco surge a raíz de su sorpresiva aparición en el Gallery de Youtube. Ceros (el disco) sale con la intención de aprovechar el tirón conseguido con Ceros (el single) acelerando al máximo en el tiempo un proyecto del que ya había una mayoría de temas escritos. En Ceros sobrevuela una idea bastante evidente sin que por ello estemos hablando de un disco conceptual, sino más bien de un filtro temático con el que Benitoestaba obsesionado en aquellos momentos, la economía, el dinero, el capitalismo y las clases sociales derivadas de ello. Hay que tener clara la dicotomía del personaje, Ben Yart se ve en algunas canciones como el 0 a la derecha (el poderoso) y en otras como el 0 a la izquierda (el clase media-baja) dentro del estrato socio-económico que nos plantea el capitalismo salvaje que estamos viviendo. Pero cuidado que no estamos ante un disco que critica el capitalismo o hace bandera de ello, sino de una realidad en la que el dinero mueve a la mayoría de las personas del mundo, dicta cómo tenemos que vivir nuestras vidas o nos hace ser las personas que somos según las decisiones económicas que nos hace tomar nuestra cuenta bancaria. Entiendo que gran parte del público lo vea como un bufón drogadicto (él mismo se ha presentado de esa manera en más de una ocasión), pero lo que realmente tenemos con Benito, rascando mínimamente en la superficie, es un trovador urbano que va con la verdad por delante y la realidad como inspiración, con una capacidad para emocionar y un atractivo, que va más allá de lo convencional o evidente.
Este 2023 ha sido el año de la música en catalán, estamos hablando de un crecimiento exagerado en cuanto a lanzamientos nuevos y artistas noveles se refiere con respecto al 2022, el año de Luup Records, un sello independiente catalán con el que ya tenía relación gracias a artistas de la escudería como Pavvla o Marion Harper y que merece todo mi amor, pero sin duda este 2023 ha sido el año del dúo de Mataró The Tyets. Su éxito ha venido de la mano de su segundo disco largo titulado Èpic Solete (Luup Records, 2023) y de ese hit incontestable llamado Coti X Coti que contiene lo mejor del trapetón (término acuñado por ellos mismos siendo un evidente fusionado del trap y el reggaetón) y las claras influencias del folklore catalán que tan buenos resultados les han dado con el disco. Un hit que ha sonado este verano hasta la saciedad en todas las fiestas de barrios, clubes nocturnos, verbenas de pueblo, bodas, bautizos y comuniones y que ha alargado sus brazos hasta salir fuera de nuestras fronteras haciendo giras internacionales (Londres, Dublín, Bruselas, Copenhague) colgando sold-outs allá por donde pasan. Relacionados con el Barça femenino de fútbol, las chicas los han promovido por redes llegando a adoptar el Coti x Coti como su himno no oficial, y llamados por Ibay Llanos y Gerard Piqué para participar en el evento de la Kings League, ahí es nada, su popularidad se convirtió en un evento multitudinario cuando durante las fiestas de la Mercè de Barcelona organizaron un concierto masivo dentro del marco del BAM que ya ha quedado para la historia. Lo mismo ocurrió con las dos fechas que cerraron en la sala Paral.lel 62 de Barcelona colgando el cartel de sold-out dos tardes seguidas teniendo la delicadeza de hacer uno de los bolos un domingo a las 18.00 de la tarde para que todos los peques que quisieran asistir, lo pudieran hacer sin problemas acompañados de un adulto responsable. Su amplitud de miras para llegar a todo tipo de público, su habilidad para leer la actualidad mainstream, ese punto de originalidad y esa actitud en la que la fiesta, el buen rollo y las ganas de pasárselo bien se funden con la emoción y la calidad del dúo, son gran parte de la fórmula para su éxito. The Tyets han sabido tocar una de las teclas que todavía estaba por descubrir dentro de la música urbana nacional, eso y que lo han hecho en el momento más efervescente de la escena catalana.
A Mushkaa la conocí de telonera del Leïti en el concierto que dió el catalán en la sala Paral.lel 62 con motivo de la presentación de aquel descomunal Apocalipsi del pasado año. Fue precisamente en el trayecto en metro con mi hijo que me comentó que se decía que la Mushka era la hermana pequeña de Bad Gyal. Sin ser algo del dominio público (en aquel entonces), ya que Mushkaa jamás inició su carrera a través de su hermana, copiando o siendo apadrinada por ella en ningún momento, su valía como artista se comprobó en un bolo en el que se la notaba segura, activa y con muchas ganas de hacérselo pasar lo mejor posible a un público que, aún sin conocerla, cedió sin mayor resistencia a unas canciones que ponen a bailar a cualquiera y están dotadas de una frescura súper necesaria en la escena. No me gustaría obviar a su (otra) hermana Greta, que es quien le hace de acompañamiento a Mushka sobre el escenario quedando todo en familia. Al poco tiempo de ese bolo, Mushka saca Tas Loko Mixtape. Una reducida pero infalible colección de canciones, junto al que se convertirá en su inseparable productor (Roots), desgranado todo tipo de influencias. Desde el dancehall al reggaeton, del rap al trap, del pop al R & B, todo ello filtrado, mezclado y agitado por un dúo al que le sale la personalidad por los poros. Lo que vino después ya es historia (al menos historia reciente, jajaja). Sus temas se empiezan a hacer virales en Tik Tok, algunos artistas de renombre hacen publicaciones con sus canciones, se cierra su primer concierto en un festival de verano (el Share de Barcelona), agota en horas dos noches seguidas en la sala Apolo (la grande) y es llamada por la organización del BAM para tocar en las fiestas de La Mercè de Barcelona en un concierto multitudinario que además reunió a varios de sus colaboradores para demostrar que lo suyo no es casualidad. Sinceramente, creo que Mushka es una de las artistas más necesarias, con unos de los mejores timings del momento y con una de las actitudes más contrapuestas a la de la mayoría de las chicas que pueblan la escena urbana a día de hoy. No se exhibe, no utiliza su cuerpo, no utiliza su atractivo, lo suyo es simple, amor por la música desde una de las perspectivas más puras y emotivas de la actualidad musical, y eso es lo que la ha hecho conectar con una facción del público bastante más amplia y desprejuiciada de lo que se podía esperar.
Continuando con la escudería de la escena catalana, con Mushkaa, The Tyets, Figa Flawas, 31 FAM y demás visionarias a la cabeza, la culminación de esa eclosión al mainstream de la escena urbana catalana, traída y llevada a ese status gracias a los más jóvenes, nos llega de la mano de Luup Records (como no podía ser de otra manera) y su recién estrenado Nadal Mix 2023. Un disco colectivo en el que los artistas de la escena y las producciones de Roots, quien ha coordinado todo el proyecto, nos deja uno de los discos más disfrutables de estas navidades y un testigo inalterable de un momento único en el que la escena musical catalana está en pleno despegue. Las incursiones internacionales de Mushkaa por Argentina, The Tyets por media Europa y Julieta por tierras inglesas, confirman una proyección del idioma que va más allá del entendimiento y que funciona a partir de melodías, ritmos, sensaciones y emociones que emite la música facturada por un colectivo decidido a poner la escena patas arriba con su fuerza y su arte. Exponiendo una capacidad para el humor (muy de la tierra), la crítica (social, de clases, capitalista), el amor (adolescente) y la perspectiva más ácida que ofrece la juventud (la media de edad serán unos 25 años y sería bastante menos si el veterano Ferran Palau y el Sr. Chen no estuvieran entre esa inagotable lista de nombres), Nadal Mix 2023 se ha convertido en mi disco favorito navideño de todos los tiempos. Por extraño que parezca comentando sobre esto, siempre he odiado los discos de temática navideña, pero admito que este me ha llegado al corazoncito. No estamos hablando de un disco infantil, encarado a complacer, ni tampoco de un disco ultra producido para encajar en las listas navideñas, para nada, pero eso no quita que los que lo estamos escuchando queramos oir estas canciones en cualquier tienda, mercadillo o evento navideño hecho en casa. Como dice una frase del disco –panellets i torrons, però aquest any amb reggaeton-, así lo haremos.
Con La Zowi pasa lo mismo que con much@s de l@s artistas de la escena urbana de hoy en día, en estudio me parecen una maravilla exagerada, pero en directo fallan más que una escopeta de feria. Dejando a un lado sus directos, lo que La Zowi ha conseguido desde el inicio de su carrera es digno de mención. Después de facturar aquel polémico debut llamado Ama de Casa (2018) y entregar uno de los discos más avanzados de la escena con el impresionante Élite (2020), la francoespañola (tiene las dos nacionalidades) nos ha regalado La Reina Del Sur, el disco urbano más explícito, bailable, sucio y temperamental de todos los editados este año, por no decir el mejor. Contando a las producciones con lo más granado del underground nacional con nombres como Lex Luger, Luca Taneli, Garci, Bexnil, Pochi, King Doudou y Pipo Beatz en sus filas, vuelve a ser su inseparable Mark Luva quien destaca sobremanera en los ritmos que le entrega. El disco toma su título de una famosa telenovela del mismo nombre en la que una chica de origen humilde llega a jefa de la droga de una organización criminal a su servicio. Con esa referencia en mente, La Zowi vuelve a construirse un personaje ficticio que vive en ese mundo dominado por el dinero, la fama, las drogas, la calle, el sexo, la violencia y la fiesta en el que puede sentirse exactamente eso, La Reina Del Sur. Con muy pocas colaboraciones al micro dentro del disco, la de Soto Asa es estelar, La Zowi se basta y se sobra (mucho) ella sola para crear una de las obras de reggaeton y trap más duras, sexuales y descaradas jamás facturadas, superando con creces a todo lo que ha entregado su compañero Yung Beef en todo el año, y eso que no han sido pocos los trabajos que ha editado El Seco.
Lo de Quevedo este año ha sido el despegue más fuerte que hemos visto jamás en un artista independiente nacional. Con tan solo un hit remarcable junto a los pesos pesados de las Canarias, el remix de Cayó La Noche, y esa petada monumental e internacional que supuso la sesión nº52 con Bizarrap, el canario ha conseguido poner en el ojo del huracán un disco que se ha convertido en el mejor trabajo de reggaetón comercial del año (aunque Quevedo abarca más estilos en el disco) sin que nadie, tanto fuera como dentro de nuestras fronteras, tenga las ganas de ponerlo en duda. Para muestra todo lo que ha conseguido Pedro este año. El disco sale a mediados de Eneroconcretando fechas para todos los festivales estivales del país convirtiéndose en cabeza de cartel en todos ellos, otro logro para añadirse a la cuenta, y poniéndose número uno en escuchas en España durante meses, Donde Quiero Estar todavía sigue ahí subiendo y bajando posiciones entre los diez primeros prácticamente un año después. Con todo eso ya estamos hablando de un disco histórico, pero para Pedrolos sueños no han acabado ahí. Durante este 2023, Quevedo ha conseguido grabar con la mayoría de sus ídolos cerrando un año en el que las cosas buenas le han venido rodadas. En casa lo ha hecho con Cruz Cafuné, Lola Índigo, Saiko, Soge Culebra, Abhir Hathi o Bad Gyal, muestra inequívoca de la capacidad de adaptación que tiene Pedro, y desde fuera ha encontrado conexiones con Karol G, Anuel AA, Arcángel, Álvaro Díaz, Maluma, Duki, Feid, Mora, De La Ghetto, Jhayco y un largo etcétera de artistas que me olvido. Viendo la progresión del artista y escuchando las entrevistas que ha estado ofreciendo últimamente, estoy seguro que la experiencia adquirida durante el tour-de-force que le ha supuesto el 2023, hará que lo próximo de Quevedo sea algo bastante distinto.
¿Cómo ha pasado Morad de delincuente juvenil a ejemplo a seguir y referente para los adolescentes?. Pues la verdad es que es algo que no ha sido de la noche a la mañana, pero con su Reinsertado lo ha confirmado de la manera más evidente e indudable, a través de sus letras y de su música. Considerado a día de hoy uno de los raperos más importantes del panorama internacional y llegando a ser una de las estrellas del urban con mayor capacidad de convocatoria dentro de nuestras fronteras, como ejemplo decir que el español de origen marroquí ha conseguido llenar el Club Sant Jordi de Barcelona tres noches consecutivas con sus correspondientes sold-outs para el próximo enero, Reinsertado es el disco que muchos no se esperaban, pero que, sin necesidad de convertirse en un hit instantáneo, ha conseguido llegar a lo más alto del panorama gracias a una sinceridad, una cercanía y una transferencia de valores absolutamente intachable. Con el hype de haber facturado recientemente un EP con Dellafuente (su padrino) que los ha llevado a ambos a llenar dos noches seguidas el Wizink Centrede Madrid con un espectáculo tan único como impensable, una ópera urbana en la que compartían escenario en todo momento, ha sido gracias a Redbull que los que asistieron a esas dos noches de Showdown guardarán en su memoria uno de los conciertos más preciados de sus vidas. Mucho más emocional que de costumbre, madurando sus ideas callejeras gracias a la experiencia y tomando una deriva musical claramente reposada, sumamente reflexiva y necesariamente descansada en la mayoría de los temas, Reinsertado es el testigo inalterable de la capacidad curativa que tiene la música y de que si la vida te lleva a ser un ejemplo para alguien, puedes tomar esa responsabilidad o no, y en este caso Morad ha querido dejar claro que compartir su vida en el momento en el que la está viviendo, significa demasiado para los jóvenes como para no tenerlo en cuenta.
El de Mallorca sigue subiendo como la espuma cada año que pasa. Convertido ya en estrella internacional y pudiendo presumir de estar entre los grandes nombres de los festivales nacionales, este año incluso ocupa un lugar de excepción en el cartel del Primavera Sound por debajo de The National y Lana Del Rey y al lado de Troye Shivan y Arca, Daniel Heredia no ha parado de entregar colaboraciones estelares, facturar hits incontestables y ofrecer directos multitudinarios durante todo el 2023. Funcionando sin problemas con los singles y sin necesidad de entregar trabajos largos, Rels B nos regaló un verano aún más caliente cuando a mediados de julio entregó esta mixtape titulada AfroLOVA’23, para mí, la esperada y a la altura continuación de aquella hermana lejana llamada Mi Isla. Retomando su carácter más isleño, bailable y vacilón, algo que le sienta a las mil maravillas, su nueva mixtape sigue hablando de lo mismo, las chicas, el amor, las fiestas, el dinero y la actitud, todo ello presentado con un traje al que le combina a la perfección el afrobeat, el sonido canario, el pop urbano, el dancehall, el reggaeton y la salsa. Una maravilla al alcance de muy pocos que, aún sabiendo que las temáticas de sus líricas poco te pueden interesar, no vas a poder parar de bailar y disfrutar de esa cálida e infecciosa vibe con la que juega, dribla y remata la faena Rels B.
Abhir Hathi es el artista que más me ha sorprendido este año. Su nuevo disco ya apuntaba maneras cuando Abhir nos adelantó Go Getter y 6 Anillos, dos de los temas más representativos del sonido de su Brown Boy, un disco que da un giro de 180º a la fórmula más amable y melosa con la que se nos presentó con su debut Lazos y Nudos del 2021. Mientras que el R&B sigue presente en su nuevo disco, aunque de una forma más elevada y personal, lo que más identifica a Brown Boy es su legado hindú, del que Abhir hace un homenaje claro desde su portada, sus líricas y las influencias folk que maneja, pero también la valentía y experimentación a la hora de componer los temas que incluye el disco. Con Saint Lowe como cabeza pensante e impulsor del proyecto y un colectivo de productores que incluye a Choclock, El Secreto, PMP, Mayo, Blurred Mirror, Tuisted, Daisilva, Nake, Gobea y alguno más que me puedo dejar en el tintero, Brown Boy es el disco más adelantado y original del año superando con creces lo ofrecido por su compadre Cruz Cafuné con su Me Muevo Con Dios. Concentrando el trabajo en 17 cortes y con un total de 46 minutos de duración que te pasan volando, las colaboraciones escogidas por Abhir para acompañarlo al micro nos han dejado temas tan insuperables como la imposible Mango Lassie junto a Juicy Bae, ese drillazo llamado Ca’ Manolo con Quevedo o la indescifrable Yallah secundado por West Dubai, entre otros, redondeando un disco al que no le sobra ni le falta nada. Influencias que van desde Kanye West, pasando por Bon Iver o incluso Rosalía, Abhir Hathi ha querido ofrecer algo distinto, único y arriesgado para golpear la escena de la manera más contundente posible y así lo ha hecho. En Barcelona ya se puede apuntar el tanto de tener la Razz 2 llena hasta la bandera para su presentación en Enero, algo que ha ido ocurriendo en la mayoría de las citas de la gira que está por empezar.
Fue a principios de año cuando al fin pude ver en directo a Antony Z presentado su flamante Eclipse (2022) en la diminuta Razz 3 de Barcelona en un concierto que, por mucho que le quede por recorrer al artista granadino en cuanto a profesionalidad y presencia sobre un escenario se refiere, fue uno de los más vibrantes, divertidos y bailables de los que he podido disfrutar este año. Pues bien, desde entonces Antony Z no ha parado siendo mi artista más escuchado del año según Spotify, algo que me ha sorprendido bastante pero que tampoco era descabellado. Con más de 10 singles publicados en estos doce meses, un EP veraniego que lleva por nombre San Antonio que me ha acompañado todo el periodo estival y que se ha alargado prácticamente hasta hoy, y un largo titulado La Gran Ciudad a principios de noviembre que se ha convertido en mi nueva adicción, su prolífica creatividad queda patente en una calidad que solamente hace que subir el listón con cada nueva entrega. Poniendo siempre por delante la positividad, las buenas vibras y la sinceridad, la capacidad de fusionar influencias de todo tipo en su música para dar con un estilo propio, es algo que no todo el mundo sabe hacer, y a él le sale a las mil maravillas desprendiendo personalidad y cercanía a partes iguales. Esa familiaridad a la hora de expresarse y esos ritmos tan calientes que salen de las manos de Tony Anzis (su productor estrella junto a David Marley), crean una sinergia absolutamente adictiva y luminosa como pocas. Haciendo especial hincapié en el mood o el concepto de vibra, Antony se siente tan cómodo sobre un beat de reggaeton como encima de un banger de club, sin que por ello tenga que casarse con un estilo concreto, una escena única o una actitud impostada. Estamos hablando de un tipo con sensibilidad pop que no hace ascos a ninguna década, ninguna escena, ni ninguna influencia absorbiendo e incluyendo en su repertorio una variedad de ritmos y estilos impresionante. Merece mucho más de lo que tiene, pero espero que con el tiempo su valía se vea recompensada.
POP / ROCK / FOLK
Demasiado hemos tenido que esperar para tener el segundo disco de estudio de la cordobesa, pero la espera ha valido mucho la pena. Tres años después de su Sanación y poniendo sobre la mesa una curación del alma más que evidente, donde en su debut nos encontrábamos un disco mucho más calmado e intimista, su Ultrabelleza nos trae canciones llenas de luz, de vida, de sensaciones bonitas y de duende. Producido en bloques claramente separados, en la lista nos encontramos con nombres tan dispares y vanguardistas como Zahara junto a su inseparable Martí Perearnau (_juno), al grandioso Oddliquor (Judeline), al señor Antonio Narváez (Maka, Dellafuente) y ese combo extranjero formado por George Moore y Knox Brown (Beyoncé, Emeli Sandé), la Llergo consigue crear un cuerpo musical que nos transporta por el mundo y sus escenas llevando el flamenco como bandera. Ultrabelleza es cohesión, historia, solidez, fuerza, feminismo, lucha, libertad sexual, raza, amor y cante, todo ello potenciado por unas interpretaciones vocales de la Llergo hipnóticas y arrebatadoras que, en poco más de treinta minutos, nos seduce, nos eleva y nos cambia por dentro. No es fácil encontrar artistas de la talla de la dePozoblanco, pero todavía es más raro encontrarse con personas tan bonitas por dentro como lo es ella. Su concierto en la sala Paral.lel 62 de Barcelona hace un par de meses se ha convertido en uno de mis favoritos del año, pero todavía sigo pensando que este Ultrabellezarequiere de una fiesta mucho más efusiva y celebratoria que el marco de un Festival de Jazz en el que nos obligaban a estar sentados y sin performar.
Cala Vento ya se han convertido en un grupo de referencia para las nuevas generaciones, quizás no al nivel mainstream, no creo que tampoco lo hayan pretendido hasta ahora, pero el colectivo de fans de la banda se cuenta ya por miles creciendo en cada ciudad que visitan y festival al que asisten. Su entrega en directo equivale a la entrega de un público volcado con las letras, los guitarrazos y los ritmos de estos dos amigos catalanes que demuestran un mayor potencial a medida que maduran y van facturando discos de rockopop perfectos. Añadiendo varios ingredientes novedosos a la sencilla fórmula que practican, su visión les ha llevado tan lejos como para colaborar con Gorka de Berri Txarrak y Eva Amaral en dos de los temas de esta Casa (tan) Linda. El objetivo y las intenciones del disco traspasan cualquier límite que tuvieran hasta el momento, demostrando que el crecimiento en popularidad no debería estar reñido con la calidad de las canciones, ni con la escena a la que se asigne tu música. La pasión y la honestidad nunca han estado en contra de la popularidad, y eso es algo que la mayoría no entiende. Dotado de un sonido aplastante, crujiente y directo, Santi García mediante, y con una batería de hits que podrían funcionar como single de la primera a la última, su constante crecimiento se ha visto reflejado en un gira nacional que los está llevando por todo el país y que finalizará en la Paral.lel 62 de Barcelona el próximo 3 de febrero para cerrar el año más redondo y lindo que han tenido hasta la fecha los del Montgrí.
El power dúo formado por las hermanas Iñesta, Marina y Teresa, firman un tercer disco autotitulado que sienta una nueva base musical con respecto a sus entregas anteriores. Tomando el rock de guitarras de calado grunge y el pop refrescante de carácter visceral para construir un disco plagado de hits automáticos, letras intensas y poéticas y un sonido que te pone a vibrar cada fibra de tu cuerpo, Repion funcionan como una de las propuestas más interesantes y honestas de la actualidad rock nacional. Las similitudes con bandas como Amaral, Vetusta Morla o Dover son más que evidentes, su casi perfecta combinación de fuerza y melodía, y esa capacidad de atracción y adicción que tienen sus canciones, lo convierten en uno de los discos que más he escuchado, disfrutado, bailado y cantado durante este 2023. Con Marina como guitarra y corista de directo de la banda de Mikel Erentxun y Teresa como guitarra y cantante de Aiko El Grupo (otras a las que no hay que perderles la pista), la intención de ambas es la de hacer crecer la banda lo máximo posible y seguir ofreciendo unos conciertos cargados de energía vital y amor por el rock. Funcionando en directo como un trío añadiendo el bajo como instrumento extra en los shows, ellas solas se bastan y se sobran para ofrecer un trabajo que respira ganas, fuerza, amor y familiaridad por los cuatro costados. Firmadas actualmente en la escudería Mushroom Pillow, parece que esa jugada les ha proporcionado algo más de visibilidad, cosa que merecen sobradamente.
La productiva creatividad de Ramón Rodríguez durante estos últimos años, o más bien desde que empezó su proyecto en solitario The New Raemon en 2008, nos ha dejado la friolera de más de 20 discos largos si contamos con sus proyectos paralelos, con la notable resurrección de Madee (ahora de nuevo desbandados) por bandera, sus colaboraciones estelares, con McEnroe por un lado y sus trabajos junto a David Cordero & Marc Clos por otro, o las reediciones de su debut A Propósito de Garfunkel, que lo ha vuelto a llevar por los escenarios con motivo de su 15 aniversario, su capacidad artística no conoce límites a la hora de plasmarla en su poética musical. Postales de Invierno es un disco personal, único y atemporal. Un disco de cantautor en el que la vida y la muerte, lo terrenal y lo místico, la verdad y el amor, se funden para exponer la complicidad y la amistad de dos almas destinadas a estar juntas, tanto de manera física como espiritual, para el resto de los días y a las que Ramón canta y recita desde una posición en la que se mezclan la tristeza y la melancolía, con la fuerza y la capacidad de abrazar el amor hacia una persona única que lo ha significado tanto para ti y para tu desarrollo artístico y humano. Ramón dedica su disco a Sergi Irurtzun desde la admiración, el respeto y el amor. Una de las personas más importantes de su vida que el pasado diciembre tuvo la desgracia de ceder a un cáncer que lo tenía atrapado desde hacía tiempo. A partir de un poema eterno que Ramón empezó a escribir en una noche de insomnio en la que recordaba a su amigo de adolescencia, nacen estas 12 Postales de Invierno, de esa desnudez emocional, de esa claridad sentimental, de esa madurez espiritual y de esa embriaguez de melancolía, que va más allá de la comprensión y el entendimiento. Pero no lo ha hecho solo, después de cerrar sus letras y componer la música, Ramón ha querido contar con los hermanos García (Víctor a la batería y Santi a la guitarra y a la producción), y sus hijas Leia y Jazz a los coros y los arreglos, para firmar su disco más íntimo y personal en familia. Desde aquí le mandamos toda la fuerza y el apoyo que se merece el amor que profesa Ramón por Sergi y que, desde ahora, quedará plasmado para toda la eternidad en este descomunal Postales de Invierno.
Plena Pausa es el primer proyecto en solitario de J de Los Planetas. Un proyecto que le ha llevado a musicar parte del legado fílmico recuperado y gestionado por la Filmoteca Nacional y que ha puesto a su disposición para dar una nueva vida a esas películas, cortos y filmaciones caseras, almacenadas por la familia de Iván Zulueta, y que ahora se ponen al servicio de las canciones que J ha compuesto para presentar un trabajo en el que el granadino pone sobre la mesa toda su alma y toda su admiración por uno de los cineastas y diseñadores más esquivos, geniales, atormentados e incomprendidos que dio la era dorada de finales de los 70 y principios de los 80 en España. Tomando las mismas referencias con las que J ha estado generando música desde sus inicios, el delirium tremens, la drogas duras, las bandas psicodélicas y el pop-art, Plena Pausa no se encuentra en plataformas digitales por eso de ser lo más analógico posible y necesitar de una visión completa de la obra para disfrutarla y entenderla como es debido. Musicando 15 de los cortos que la filmoteca ha puesto a su disposición, J ha querido entregar una edición a la altura del arte y el compromiso de alguien como Iván Zulueta. Su versión en vinilo incluye 10 de esas 15 canciones, además de un DVD extra con todos los cortos musicados por J y un arte para el disco firmado por otro de los grandes como Javier Aramburu, quien por cierto ha realizado su mejor trabajo hasta la fecha despachando unas ilustraciones tan coloristas y psicodélicas que ya es suficiente razón como para comprar el disco sin tan siquiera saber lo que te vas a encontrar dentro. Si alguien necesita una referencia al respecto para saber por donde va a tirar esto, os diré que estamos ante el disco más pop, accesible y deseado del cantante de Los Planetas en mucho tiempo, algo así como el. Una obra descomunal, tan necesaria como arrebatadora.
Después de colaborar con la escena urbana con una producción aquí y otra allá y hacerse un nombre de peso en el underground durante los últimos cuatro años, solo Ralphie Choo podía ser capaz de mezclar las bulerías flamencas, con el reggaeton más desatado, el urban más exquisito, el R&B de manual, la IDM inglesa, el breakbeat de corte festivo, el trip-hop más delicioso y el ambient más constructivo en una coctelera llamada Supernova haciéndolo así de atractivo y entregarnos un debut único e intransferible del que tanto Rosalía (nombrando su disco como uno de los mejores del año), como Israel Fernández (colaborando con él en el que es su primer single para su próximo álbum), han dado buena cuenta de su talento. Referencias como Kanye West (sobretodo en las produs) o James Blake (ese neo-soul del que tanto se habló en su momento), están ahí de manera visible del mismo modo que lo están Rosalía o la Juicy, pero nada de lo que hace Ralphie Choo suena influenciado o derivado. Su capacidad como artista y su potencial como autor, van más allá de sus influencias convirtiéndolo en un nuevo cabeza del movimiento. Salido desde el underground y claramente destinado a hacer grandes cosas, así es Ralphie Choo. Cerrando nada menos que tres pases (uno el viernes y dos seguidos el sábado siguiente) para presentar su Supernova en Barcelona en la sala La Nau, hablamos de un artista multidisciplinar, cercano, alegre y entregado al máximo a su público, que nos dejó uno de los shows más intensos, diferentes, emotivos y bailables de la actualidad urbana. Como curiosidad decir que se presentó en la sala con batería en directo, teclado en directo y bases tiradas (especial mención a los músicos que llevaba) y que en ningún momento le hizo falta presentar en directo a ninguno de los colaboradores que tiene en el disco (Abhir Hathi, Paris Texas, Mura Masa, Rusowski, Drummie, Mori, Wet) para marcarse uno de los mejores directos que hemos podido ver este año.
Criado en una cultura musical que resaltaba las lindezas del rock y del indie, dos de las influencias más valiosas a la hora de desarrollar su estilo, y empezando a traves de ese pop más orgánico con el que facturó sus primeros largos, el artista (con todas las letras) gallego Sen Senra empieza a despuntar en la escena urbana gracias a su anterior Corazón Cromado de 2021 y a aquel discreto hit con Tangana,incluido en dicho trabajo, titulado Que Facilidad. Es en ese momento que Sen Senra empieza a ser llamado para actuar en los festivales nacionales encarados al urban para que ejecute su peculiar e inclasificable propuesta. Firmado con Sonido Muchacho (el sello de moda) y con álbum conceptual bajo el brazo, PO2054AZ (primer volumen de una trilogía), se evidencia esa capacidad que tiene Senra para mirar al futuro, el pop urbano de actualidad se ha convertido en una de sus bazas más contundentes, sin que por ello tenga que sacrificar sus influencias pasadas, ese carácter de sonido indie y letras emocionales proviene claramente de una vertiente pop de décadas pasadas. Nombres de la talla de Rusowski, Ralphie Choo o Sen Senra son los que están afianzando una nueva vertiente de artistas menos preocupados por la complacencia y lo que se pega, pero totalmente empujados por una personalidad y unas ganas de ofrecer algo nuevo y diferente, que choca frontalmente con todo lo preformulado anteriormente en la escena. Necesarios sobremanera en una escena que pide un cambio refrescante, en otra dirección y con una conciencia y concepción del arte bastante más sofisticada y profesional. Como suele ocurrir y sin dejarse llevar por la corriente, dichos artistas tienen un trabajo enorme para intentar encajar en una escena que no acaba de entenderlos del todo, pero que con el tiempo y la experiencia se dará cuenta que fueron los más valiosos de la actualidad adelantando todo lo que vendrá después.
Después de algún que otro EP y un par de discos breves, Juji en 2021 con 8 temas y Ni Llum Ni Lluna en 2022 también con 8 cortes, ambos demasiado breves para las ganas que se te quedan después de oirlos, Julieta factura su primer álbum largo titulado 5AM, para mi, uno de los más esperados de este 2023. Encerrada en el estudio junto al dúo de productores de moda, los gallegos LOWLIGHT, la catalana ha puesto su arte y su valía sobre la mesa, y más tarde sobre los escenarios, demostrando que su potencial y sus ganas están muy por encima de lo esperado y también muy por encima de la media urbana actual. Apuntando realmente alto y con un carácter de diva pop innegable, algo que en directo todavía resalta más, su capacidad y su concentración para convertirse en eso, no la distraen en ningún momento de lo profesional y lo humilde que es Julieta sobre las tablas de un escenario. Tomando del pop, del hyperpop, del reggaeton, del club y de la balada, Julieta mete en la coctelera todas sus influencias anglosajonas (Beyoncé, Dua Lipa, Britney Spears) y su arrebatadora personalidad para concentrar un disco que huele a casa como pocos. Creo que el slogan de su recién estrenada camiseta de merch, que reza –I AM THE CATALAN DREAM– resume aún mejor esa idea que planteo. Con una fuerza, una seguridad y una calidad incuestionable en directo y un público absolutamente entregado a sus agudos auto tuneados imposibles, el concierto de hace unos días en al sala Apolo, sold-out mediante, se convirtió en otro hecho histórico para el desarrollo de la escena musical catalana actual y sus mayores exponentes. Quienes por cierto, Maria Hein, The Tyets y Mushkaa, estuvieron en el concierto de la barcelonesa para acompañarla con los temas colaborativos que tienen. Una fiesta del lenguaje catalán, celebrada tanto aquí como fuera de nuestras fronteras.
Mezclar el pop con el hardcore no siempre resulta en punk pop o hardcore melódico, se puede hacer de otra manera y esa manera es la de Monteperdido. Encapsular la urgencia de sus ritmos (hardcore) con las descarnadas melodías (pop) marca de la casa es la fórmula ganadora, pero si además concentras todas las ansiedades, inquietudes y frustraciones de toda una generación, estás haciendo unas canciones que tienen la capacidad de impactar y dejar una huella indeleble en la escena. El quinteto de amigos venidos de Huesca, compuesto por Tomás y Diego a las guitarras, Willo al bajo, Dani a la batería y esa fuerza de la naturaleza llamada Bego a las voces, dan la campanada en el under nacional a finales del 2020 con un disco homónimo y autoeditado (en cassette por eso de ser lo más under posible), y que al poco tiempo de salida reeditan con Sonido Muchacho en formato vinilo (lamentablemente cambiando la portada) firmando un contrato que los ha llevado hasta este 2023 con este breve pero intenso Daño Físico. La violencia explícita que contienen sus canciones y la capacidad que tienen para explorar sus emociones más oscuras, hacen de ellos una incomodidad para cualquiera que se acerque con la intención de divertirse, disfrutar de la vida o conformarse con ella. Monteperdido es de esas bandas que te ahoga, te escupe, te araña la cara y te da patadas en el estómago sin compasión a través de unas canciones con las que bailar, drogarse, volverse loco y empatizar con las desgracias ajenas, eso sí, nunca de una manera amable y comprensiva, sino más bien combativa y beligerante. Como dicen ellxs mismxs – prefiero el daño físico, una hostia, una lesión -.
En su descripción de Spotify solamente figura una línea – mala música para gente sensible y moderna -. Una descripción que si te parece graciosa, puede acercarte a su propuesta para curiosear, pero que también funciona como un filtro infalible para desechar a los oyentes más sofisticados y faltos de ironía. Marcelo Criminal nos presenta un debut compuesto por 22 cortes y 42 minutos de duración, repleto de canciones breves y punzantes, dolientes y austeras, en las que la ficción y el realismo mágico toman una deriva conceptual hacia el desastre social, económico, político y emocional al que nos vemos abocados en su visión. Lo temas contenidos en La Última Casa De Apuestas(Sonido Muchacho again) nos remiten a la precariedad musical de los Magnetic Fields de finales de siglo, con su 69 Love Songs como referencia más clara, pero también a las divagaciones imposibles de alguien como Joe Crepúsculo y sus inicios más poperos o a las habilidades electro-pop de bandas como Astrud. Nada es claro en sus líricas, todo son estampas extrañas de un mundo post-apocalíptico y hostil al que habrá que acostumbrarse en un futuro no tan lejano donde Marcelo juega con la ironía y la ficción que le caracteriza sin necesidad de hacerlo de manera literal. La ilustradora de cómics Anabel Colazo ha sido la encargada de plasmar su arte en el disco, consiguiendo firmar una de las portadas más bonitas y artísticas del año aunando conceptos tan dispares como post-apocalíptico o neo-medieval, según las indicaciones de Marcelo.
Al más puro estilo Thelma y Louise, el dúo de féminas Adiós Amores nos pone en El Camino del pop yeyé y la delicadeza melódica con referencias tan claras como Jeanette, Vainica Doble, Las Grecas o Carina trufando su fórmula de una familiaridad exquisita y reconocible. Imán Amar y Ana Valladares forman equipo con Guillermo Briales a la escritura y con Raúl Pérez a la producción, añadiendo lo valiosos arreglos de viento de Arturo Solar a la mezcla, para regalarnos un disco que desprende luz, armonía, dedicación, respeto, historia y amor (también desamor) en clave de pop nostálgico y naïf. Del cual podríamos decir que poco encaja en la actualidad de la escena nacional, pero que se convierte en la frescura necesaria para devolverle al pop lo que nunca debió perder, la inocencia. Su debut sale con Sonido Muchacho(y van…) en un momento en el que el sello madrileño está señalado como el bastión más visible de la actualidad musical independiente del país gracias a su preciado ojo para descubrir nuevos talentos y arropar a otros tantos ya consolidados.
ELECTRÓNICA
Si mi disco de baile favorito de fuera de nuestras fronteras ha sido el Mid Air de Romy, lo podéis encontrar en la lista de mis 25 favoritos internacionales, mi preferido nacional ha sido lo último de SDH. El dúo electrónico catalán formado por Sergi y Andrea lo han vuelto a hacer. Ampliando aún más su rango de influencias, sobretodo para adaptarse al sonido de club, la EDM, lo industrial, el techno sucio y la dark wave colapsan en una pista de baile imaginaria perteneciente a un club en el que nada de lo que suena es obvio, pero que no por ello nos suena extraño, experimental o desechable. Baile, sudor e intensidad, eso es lo que ofrecen SDH en una conjunción de ideas sobre la persona y la sociedad en la que vive, que van desde la sobreexposición digital, pasando por la ética y la moral, o incluso el abuso sexual. Referencias al dance noventero, a Pier Paolo Pasolini o a los Coil, se funden con un ideario que siempre busca cuestionar, exponer, expresar, sentir y vivir la música desde una visión crítica o incluso política. La fuerza creativa que supone la habilidad de Sergi para firmar esos adictivos y transpirados ritmos infecciosos de alta gama, y la sensualidad y el misterio que carga la voz de Andrea, explotan en una química apabullante en la totalidad del disco. Música de baile con calado sociopolítico y hedonista al mismo tiempo con la que sudar todas las toxinas emocionales que cargamos al cabo del día en una vida que solamente debería estar hecha para meterse en clubs y bailar hasta que salga el sol, en comunión o de manera individual, pero bailar sin descanso. ¡¡¡Bailad, Bailad Malditos!!!.
Cuando la realidad supera a la ficción ocurren cosas como esta. Stella Maris es un grupo cristiano de EDM, tal y como ellas se definen, creado por Javier Ambrosi y Javier Calvo para la serie de Movistar + La Mesías. Formado por seis hermanas ultra católicas que son parte de la historia y sumamente importantes en la misma, su repercusión ha conseguido traspasar la pequeña pantalla hasta llegar a estar confirmadas en el próximo Primavera Sound. ¿Y cómo ocurre esto?, os preguntaréis. Lo primero que hay que saber es que el dúo catalán electrónico Hidrogenesse en quién se esconde detrás de la música de las Stella Maris, un dato a tener muy en cuenta a la hora de valorar las producciones tan cortantes, sincopadas y experimentales de las que gozan estas fanáticas del Señor. Por poner una idea sobre la mesa,Stella Maris es la mezcla imposible del tontipop más naïve, con las enseñanzas de maestros de la talla de Aphex Twin o µ-Ziq, y sí, suena tan loco como lo parece sobre el papel. Lo segundo es que una de sus componentes es nuestra querida Amaia Romero, siendo además la hermana que más protagonismo tiene en la serie, algo que no escapa para nada del concepto Primavera Sound ya que la navarra ha actuado varias veces en el Festival. Teniendo el disco colgado en plataformas digitales y con toda la retahíla de vídeos musicales trufados de los after effects más disparatados subidos a Youtube, la viralización de una banda ¿ficticia? como Stella Maris demuestra una cosa sin lugar a dudas, el mercado de la electrónica cristiana está por explotar. Ya sea porque nos haga gracia como proyecto musical (mi caso), porque su mensaje católico puede calar en muchos de sus oyentes, o por simple y llana curiosidad, Stella Maris tiene un potencial evidente y del que, hasta que se acabe el flow, se le va a sacar todo el rendimiento posible como producto musical generacional. Obviamente aquí hay debate para rato, pero como se suele decir, el límite es el cielo, y en este caso, puede que arriba las espere alguien, o abajo. Como curiosidad sabed que el único colaborador que aparece en el disco es Albert Plà cantando Las Flores de mi Jardín junto a las que, en la serie, son sus hijas.
Grande Amore es un trío hostil e inconformista venido de Galicia, todas sus letras son en gallego, que practica una suerte de post-punk electrónico plagado de siniestros sampleados, sintetizadores afilados y cajas de ritmos de ultratumba, ofreciendo una versión nihilista y desprejuiciada de la opresiva y triste realidad que nos rodea. Tomando un poco del electro-punk, una trazas de sonido industrial y una pizca de black metal (su portada habla por sí sola), Grande Amore es esa banda a la que tomarle el pulso, pillarle el rollo y entender el concepto te va a llevar un rato, no es fácil digerir todas esas influencias y hacerlo de manera coherente o atractiva, pero una vez entras en la oscuridad que los arropa con fuerza, no habrá luz al final del túnel por la que escapar de sus derrotistas y amargas tonadillas de cementerio. Sin necesidad de acercarse a los instrumentos de manera orgánica, baterías y guitarras brillan por su ausencia, Nuno Pico , mariagrep y Clara Redondo han agradecido la colaboración de Carlangas para llevar la producción del disco y de Raúl Pérez en el estudio La Mina para acabar de mezclarlo. Con un sonido aséptico, desalmado y sincopado, II es de esos discos que hay que digerir en soledad, en penumbra, con un equipo precario y un volúmen que distorsione lo suficiente como para volverse loco.